domingo, 23 de noviembre de 2014

VANGUARDIAS DEL SIGLO XX




                                                     Las Vanguardias o ismos del siglo XX
El término vanguardias surge en Francia durante los años de la Primera Guerra (1914-1917). Su origen está precisamente en el vocablo francés avant-garde, término de origen militar y político, que venía a reflejar el espíritu de lucha, de combate y de confrontación que el nuevo arte del siglo oponía frente al llamado arte decimonónico o académico.
Desde el principio, el arte vanguardista adquiere una impronta provocadora contra lo antiguo, lo naturalista o lo que se relacionara con el arte burgués y se diferencian los siguientes aspectos: futurismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo y creacionismo.
FUTURISMO
“El frenesí de la vida moderna”
Manifiesto futurista 
                                                           'Vanguardias literarias'
1. Queremos cantar el amor al peligro, el hábito de la energía y de la temeridad.
2. El coraje, la audacia, la rebelión, serán elementos esenciales de nuestra poesía.
3. La literatura exaltó, hasta hoy, la inmovilidad pensativa, el éxtasis y el sueño. Nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso de corrida, el salto mortal, el cachetazo y el puñetazo.
4. Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza, la belleza de la velocidad. Un coche de carreras con su capó adornado con gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil rugiente, que parece correr sobre la ráfaga, es más bello que la Victoria de Samotracia.
5. Queremos ensalzar al hombre que lleva el volante, cuya lanza ideal atraviesa la tierra, lanzada también ella a la carrera, sobre el circuito de su órbita.
6.  Es necesario que el poeta se prodigue, con ardor, boato y liberalidad, para aumentar el fervor entusiasta de los elementos primordiales.
7.   No existe belleza alguna si no es en la lucha. Ninguna obra que no tenga un carácter agresivo puede ser una obra maestra. La poesía debe ser concebida como un asalto violento contra las fuerzas desconocidas, para forzarlas a postrarse ante el hombre.
8. ¡Nos encontramos sobre el promontorio más elevado de los siglos!... ¿Porqué deberíamos cuidarnos las espaldas, si queremos derribar las misteriosas puertas de lo imposible? El Tiempo y el Espacio murieron ayer. Nosotros vivimos ya en el absoluto, porque hemos creado ya la eterna velocidad omnipresente.
9. Queremos glorificar la guerra -única higiene del mundo- el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los libertarios, las bellas ideas por las cuales se muere y el desprecio de la mujer.
10. Queremos destruir los museos, las bibliotecas, las academias de todo tipo, y combatir contra el moralismo, el feminismo y contra toda vileza oportunista y utilitaria.
11. Nosotros cantaremos a las grandes masas agitadas por el trabajo, por el placer o por la revuelta: cantaremos a las marchas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas, cantaremos al vibrante fervor nocturno de las minas y de las canteras, incendiados por violentas lunas eléctricas; a las estaciones ávidas, devoradoras de serpientes que humean; a las fábricas suspendidas de las nubes por los retorcidos hilos de sus humos; a los puentes semejantes a gimnastas gigantes que husmean el horizonte, y a las locomotoras de pecho amplio, que patalean sobre los rieles, como enormes caballos de acero embridados con tubos, y al vuelo resbaloso de los aeroplanos, cuya hélice flamea al viento como una bandera y parece aplaudir sobre una masa entusiasta. Es desde Italia que lanzamos al mundo este nuestro manifiesto de violencia arrolladora e incendiaria con el cual fundamos hoy el FUTURISMO porque queremos liberar a este país de su fétida gangrena de profesores, de arqueólogos, de cicerones y de anticuarios. Ya por demasiado tiempo Italia ha sido un mercado de ropavejeros. Nosotros queremos liberarla de los innumerables museos que la cubren por completo de cementerios.
· El futurismo es un movimiento literario y artístico surgido en Itália en el primer decenio del siglo XX. Nació con un manifiesto, y varió y fijó sus propios enunciados en una serie de manifiestos.
El 20 de febrero de 1909 F.T. Marinetti publicó en  «Le Figaro» de París un primer Manifiesto en el que proclamó como formas de expresión del futurismo la agresividad, la temeridad, el salto mortal, la bofetada, el puñetazo. En el Manifiesto futurista Marinetti quería dar a entender que el arte debe ser consecuencia de una actitud vital y proclama el desprecio por el sentimiento y la admiración por el progreso, todo lo cual supone una ruptura con los valores literarios establecidos.
Filippo Tomasso MARINETTI: (Alejandría, Egipto, 1876 -Bellagio, Como, 1944) fue un escritor italiano. Poeta, novelista y fundador del futurismo, vivió en París, donde publicó sus primeras obras, escritas en francés. El 20 de febrero de 1909 publicó en “Le Figaro” el primer manifiesto del futurismo, que arremete contra los valores tradicionales, exaltando el dinamismo de la vida moderna, los mitos de la máquina y de la guerra y la violencia como afirmación de la individualidad.
En el siguiente Manifiesto de la literatura futurista (Manifesto della letteratura futurista, 1910) teorizó poéticas y medios expresivos adecuados para lograr la dinámica de la sensación, del movimiento, de la materia, mediante el desquiciamiento de la sintaxis y la puntuación, las palabras en libertad y los caracteres de imprenta dispuestos de maneras sugestivas e inusitadas.
Ejemplo de poesía futurista
ABRAZARTE
Cuando me dijeron que te habías marchado
Adonde no se vuelve
Lo primero que lamenté fue no haberte abrazado más veces
Muchas más
Muchas más veces muchas más
La muerte te llevó y me dejó
Tan solo
Tan solo
Tan muerto yo también
Es curioso,
Cuando se pierde alguien del círculo de poder
Que nos-ata-a-la vida,
Ese redondel donde sólo caben cuatro,
Ese redondel,
Nos atacan reproches (vanos)
Alegrías
Del teatro
Que es guarida
Para hermanos
Y una pena pena que no cabe dentro
De uno
Y una pena pena que nos ahoga
Es curioso,
Cuando tu vida se transforma en antes y después de,
Por fuera pareces el mismo
Por dentro te partes en dos
Y una de ellas
Y una de ellas
Se esconde dormida en tu pecho
En tu pecho
Como lecho
Y es para siempre jamás
No va más
En la vida
Querida
La vida
Qué tristeza no poder
Envejecer
Contigo.
- Filippo Tomasso Marinetti -
CUBISMO
“Experimenta juegos de palabra llamados caligramas”
El cubismo literario nace del cubismo pictórico. Apollinaire, Cendrars, Max Jacobs, fueron protagonsitas de la pintura cubista, fueron hermanos en inquietudes artísticas de Picasso, Juan Gris y Delauny. La poesía cubista, dejando a un lado los elementos musicales tan caros al simbolismo, se haga poesía puramente visual.
En el poema cubistas se plasma su acelerada proyección en nuestro espíritu, con todas las predilecciones y deformaciones. La imagen cubista es confusa como un mosaico.
El poema cubista se recrea en lo visual y desprecia lo auditivo. No hay anécdota, ni argumento, ni historia.
Cada verso o doble verso es una célula independiente, pero confederada con las otras para dar un poema que tiene por centro unificador al poeta mismo.
El poema cubista atrae a un solo plano, los elementos de la realidad que la imaginación, como un imán central, junta en un punto de concordancia, que es la mente del poeta.
La figura principal de este movimiento es sin duda el poeta Guillaume Apollinaire, quien en 1913 junto con su libro "Alcoles", publicó un importante manifiesto donde se encuentran las siguientes exhortaciones: "Palabras en libertad"; "invención de palabras"; "destrucción"; "supresión del color poético, de la copia en arte, de la sintaxis, de la puntuación, de la armonía tipográfica, de los tiempos y personas de los verbos, de la forma teatral, del sublime artista, del verso y de la estrofa, de la intriga en los relatos, de la tristeza".
Guillaume Apollinaire, seudónimo de Wilhelm Apollinaire de Kostrowitsky (1880-1918), poeta, novelista y ensayista francés, que representa el espíritu de la poesía moderna, y autor de famosos y conocidos caligramas.
Nació en Roma y estudió en el liceo Saint-Charles, de Mónaco. Editó unas cuantas revistas literarias de poesía, en las que empezó a publicar sus primeras obras. Entre ellas destaca Les Soirées de Paris (1913-1918). Debido a sus intentos por sintetizar la poesía y las artes visuales, Apollinaire ejerció una importante influencia tanto en la poesía como en el desarrollo del arte moderno.
Los pintores cubistas (1913) es un documento decisivo al respecto; otras obras suyas en prosa incluyen la novela simbólica El poeta asesinado (1916), basada parcialmente en sus experiencias como soldado en la I Guerra Mundial, y el drama Las tetas de Tiresias (escrito en 1903; publicado en 1918).
Se considera que con esta última obra Apollinaire introdujo el surrealismo, y de hecho pasa por ser el primero que utilizó ese término. Su reputación se basa sobre todo en sus dos volúmenes de poesía, Alcoholes (1913), considerada su obra maestra, y Caligramas (1918). Un caligrama se puede definir como un objeto simultáneamente lingüístico e icónico. No hay que considerarlo como un texto de lectura por la ausencia de puntuación y las experimentaciones formales de su tipografía, sino como un signo para identificar.
Ejemplo de poesía cubista
EL VIENTO NOCTURNO
Ah las cimas de los pinos crujen y entrechocan
y se escucha el lamento del vendaval
y en el cercano río con voces victoriosas
los elfos tocan trompas de ráfagas o ríen
Atís Atís Atís bello y desgualichado
en tu nombre los elfos han burlado en la noche
porque el viento gótico bate uno de tus pinos en la noche
el bosque huye a lo lejos como una armada antigua
cuyas lanzas oh pino se agitan en la lucha
las aldeas oscuras ahora meditan
como las vírgenes los viejos y los poetas
y no despertarán al paso de ningún viandante
ni al caer el halcón sobre blancas palomas.
- Guillaume Apollinaire -

                                                      'Vanguardias literarias'
DADAÍSMO
“Suprime cualquier relación entre el pensamiento y la expresión, rompe con las convenciones literarias”
Dadá o Dadaísmo, es el movimiento que abarca todos los géneros artísticos y es la expresión de una protesta anarquista contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente durante la I Guerra Mundial.
La palabra dada (palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegida por el editor y poeta rumano Tristan Tzara, al abrir al azar un diccionario en una de las reuniones que el grupo celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich.
El movimiento Dadá fue fundado en 1916 por Tzara, el escritor alemán Hugo Ball, el artista alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Zurich (Suiza).
Como movimiento, el Dadá decayó en la década de 1920 y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos modernos, especialmente del surrealismo. A mitad de la década de 1950 volvió a surgir en Nueva York cierto interés por el Dadá entre los compositores, escritores y artistas, que produjeron obras de características similares.
Tristan Tzara (1896-1963), ensayista y poeta francés nacido en Rumania y conocido principalmente por ser el fundador del movimiento dadaísta.
Primero en Zürich y más tarde en París, Tzara escribió los primeros manifiestos del movimiento, en los que definía sus principios nihilistas.
Alrededor de 1930 abandonó el pesimismo y la esterilidad propios del dadaísmo y se interesó por el surrealismo.
Se unió a la Resistencia francesa durante la II Guerra Mundial y una vez terminada la guerra desplazó su visión poética hacia los problemas más reales que amenazaban a la humanidad.
Ejemplo de poesía dadaísta
SIN TÍTULO
La noche invita a conjugarse
En un rincón íntimo y pequeño
Un poema que retarda su final
Como el aleteo de lo ausente
Te tomé la mano para contenerte
Porque desbordabas de emoción
Claudiqué ante tu mirada
Y estoy... como una vela que va a
Ser encendida
- Brenda Mezzini -
SURREALISMO
“Manifiesta desesperanza y da libre curso a la expresión de la imaginación y los sueños”
Breton publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto seguido en el líder del grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado dadá, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria.
En la década de los cuarenta, coincidiendo con el exilio en México de artistas españoles influidos por el surrealismo, así como la visita de Bretón, que recorrió el país acompañado de Diego Rivera y el político soviético Liev Trotski, el movimiento se extendió de forma relativa y limitada, entre círculos intelectuales mexicanos.
· Surge a partir de la adaptación André Breton realiza de las teorías de Sigmund Freud. Busca liberar el subconsciente humano de todo aquello que lo ate y lo reprima. En la escritura se recurre a la técnica de la escritura automática que consiste en reproducir el pensamiento que fluye libremente.
El mundo del sueño, donde se expresa el subconsciente libremente, es uno de los temas preferidos. Las obras se llenan de imágenes y símbolos.
André Breton (1896-1966), poeta y crítico francés, líder del movimiento surrealista. Guardián de la ortodoxia del surrealismo, fue para los otros miembros del grupo un maestro del pensamiento. Su inclinación por las excomuniones y su autoritarismo le valieron el calificativo de “Padre del surrealismo”.
Nació en Pinchebray (Orne); estudió medicina y trabajó en hospitales psiquiátricos durante la I Guerra Mundial. Se convirtió en pionero de los movimientos antirracionalistas en el arte y la literatura conocidos como dadaísmo y surrealismo, surgidos del desencanto generalizado con la tradición que definió la época posterior a la I Guerra Mundial.
El estudio de las obras de Sigmund Freud y sus experimentos con la escritura automática (escritura libre de todo control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales) influyeron en su formulación de la teoría surrealista.
Ejemplo de poesía surrealista
FRAGMENTO SACADO DE “LA RÉVOLUTION SÜRREALISTE”
El mundo físico todavía está allí. Es el parapeto del yo el que mira y sobre el cual ha quedado un pez color ocre rojizo, un pez hecho de aire seco, de una coagulación de agua que refluye.
Pero algo sucedió de golpe.
Nació una aborrecencia quebradiza, con reflejos de frentes, gastados, y algo como un ombligo perfecto, pero vago y que tenía color de sangre aguada y por delante era una granada que derramaba también sangre mezclada con agua, que derramaba sangre cuyas líneas colgaban; y en esas líneas, círculos de senos trazados en la sangre del cerebro.
Pero el aire era como un vacío aspirante en el cual ese busto de mujer venía en el temblor general, en las sacudidas de ese mundo vítreo, que giraba en añicos de frentes, y sacudía su vegetación de columnas, sus nidadas de huevos, sus nudos en espiras, sus montañas mentales, sus frontones estupefactos. Y, en los frontones de las columnas, soles habían quedado aprisionados al azar, soles sostenidos por chorros de aire como si fueran huevos, y mi frente separaba esas columnas, y el aire en copos y los espejos de soles y las espiras nacientes, hacia la línea preciosa de los senos, y el hueco del ombligo, y el vientre que faltaba.
Pero todas las columnas pierden sus huevos, y en la ruptura de la línea de las columnas nacen huevos en ovarios, huevos en sexos invertidos.
La montaña está muerta, el aire esta eternamente muerto. En esta ruptura decisiva de un mundo, todos los ruidos están aprisionados en el hielo; y el esfuerzo de mi frente se ha congelado.
Pero bajo el hielo un ruido espantoso atravesado por capullos de fuego rodea el silencio del vientre desnudo y privado de hielo, y ascienden soles dados vuelta y que se miran, lunas negras, fuegos terrestres, trombas de leche.
La fría agitación de las columnas divide en dos mi espíritu, y yo toco el sexo mío, el sexo de lo bajo de mi alma, que surge como un triángulo en llamas.
CREACIONISMO
“El poeta debe dejar ya de cantar a la naturaleza; lo que tiene que hacer es imitar a la naturaleza, eliminar todo lo descriptivo o anecdótico”
En 1918 el poeta chileno Vicente Huidobro llega a España tras su estancia en París. A partir de su actividad y capacidad de influencia sobre un pequeño grupo de artistas  partícipes de tertulias vanguardistas el movimiento se va a conectar con los aires europeos que circulaban por París.
La influencia de Huidobro junto a la actividad de Ramón Gómez de la Serna marcarán el nacimiento de las jóvenes generaciones poéticas que pretenden romper con el arte anterior a la Guerra del 14. No supone, despreciar el papel renovador de otras figuras como Juan Ramón Jiménez o José Ortega y Gasset.
De Huidobro surge el Creacionismo. A través de ese término se quiere dejar patente que la obra literaria es totalmente autónoma del mundo. El poeta debe dejar ya de cantar a la naturaleza; lo que tiene que hacer es imitar a la naturaleza, eliminar todo lo descriptivo o anecdótico. Hay que "hacer un poema como la naturaleza hace un árbol".
Junto a Huidobro hay que destacar a Juan Larrea y Gerardo Diego como fundadores del Creacionismo.
Rasgos del Creacionismo
· El poeta debe crear el poema tal como la naturaleza crea el árbol.
· Ilaciones semánticas de las imágenes, sin un hilo conductor aparente, donde a veces la afonética juega ese papel unitario.
· Yuxtaposición gratuita de imágenes, sin referente claro.
· Se suprimen los signos de puntuación.
· Prescinde de lo anecdótico, de lo descriptivo.
Vicente Huidobro Fernández (1893-1948), escritor vanguardista chileno, fundador de su propio movimiento poético y defensor entusiasta de la experimentación artística durante el periodo de entreguerras.
Estudió en su ciudad natal, Santiago, y ya desde pequeño mostró un gran talento literario: escribió sus primeros poemas a los doce años. Cuando era un adolescente, publicó un manifiesto en el que rechazaba toda la poesía anterior a él.
Cuando se trasladó a París entró en contacto con poetas surrealistas Guillaume Apollinaire y Pierre Reverdy, junto a los cuales fundó la revista Nord-Sud. Se distanció poco después del surrealismo y poco después del futurismo.
Su respuesta a todos estos movimientos de comienzos del siglo XX fue el creacionismo, una corriente revolucionaria que concebía al poeta como un dios taumaturgo, destinado a crear un nuevo tipo de poesía que compitiera con la naturaleza en lugar de reflejarla.
Ejemplo de poesía creacionista
EXCERPTO DE ALTAZOR
¿Qué ángel malo se paró en la puerta de tu sonrisa  
 Con la espada en la mano?  
 ¿Quién sembró la angustia en las llanuras de tus ojos como el adorno de un dios?  
 ¿Por qué un día de repente sentiste el terror de ser?  
 Y esa voz que te gritó vives y no te ves vivir  
 ¿Quién hizo converger tus pensamientos al cruce de todos los vientos del  dolor?  
 Se rompió el diamante de tus sueños en un mar de estupor  
 Estás perdido Altazor  
 Solo en medio del universo 
 Solo como una nota que florece en las alturas del vacío  
 No hay bien no hay mal ni verdad ni orden ni belleza  
 ¿En dónde estás Altazor?  
    
 La nebulosa de la angustia pasa como un río  
 Y me arrastra según la ley de las atracciones 
 La nebulosa en olores solidificada huye su propia soledad  
 Siento un telescopio que me apunta como un revólver  
 La cola de un cometa me azota el rostro y pasa relleno de eternidad  
 Buscando infatigable un lago quieto en donde refrescar su tarea ineludible  
    
 Altazor morirás Se secará tú voz y serás invisible 
 La Tierra seguirá girando sobre su órbita precisa  
 Temerosa de un traspiés como el equilibrista sobre el alambre  
 que ata las miradas del pavor  
 En vano buscas ojo enloquecido  
 No hay puerta de salida y el viento desplaza los planetas 
 Piensas que no importa caer eternamente si se logra escapar  
 ¿No ves que vas cayendo ya?  
 Limpia tu cabeza de prejuicio y moral  
 Y si queriendo alzarte nada has alcanzado  
 Déjate caer sin parar tu caída sin miedo al fondo de la sombra
 Sin miedo al enigma de ti mismo  
 Acaso encuentres una luz sin noche  
 Perdida en las grietas de los precipicios  
    
 Cae  
 Cae eternamente  
 Cae al fondo del infinito
 Cae al fondo del tiempo  
 Cae al fondo de ti mismo  
 Cae lo más bajo que se pueda caer  
 Cae sin vértigo  
 A través de todos los espacios y todas las edades
 A través de todas las almas de todos los anhelos y todos los naufragios  
 Cae y quema al pasar los astros y los mares  
 Quema los ojos que te miran y los corazones que te aguardan  
 Quema el viento con tu voz  
 El viento que se enreda en tu voz
 Y la noche que tiene frío en su gruta de huesos  
    
 Cae en infancia  
 Cae en vejez  
 Cae en lágrimas  
 Cae en risas 
 Cae en música sobre el universo  
 Cae de tu cabeza a tus pies  
 Cae de tus pies a tu cabeza  
 Cae del mar a la fuente  
 Cae al último abismo de silencio
 Como el barco que se hunde apagando sus luces
- Vicente Huidobro -


CUBISMO
   
GENERALIDADES

Movimiento pictórico que influye en la escultura y en la literatura, representando el análisis de las estructuras de la realidad.

Hay que destacar el carácter intelectual de esta tendencia, empeñada en ignorar el sentimiento, sin otra inspiración que la cerebral.  El cubismo desintegra los conceptos de fondo y forma para fundirlos de nuevo en otro sistema;  la pintura se aleja de las apariencias externas para dedicarse al análisis de las cosas, de ahí el espíritu de geometría que mueve al pintor a resolver con volúmenes geométricos, planos y curvas, sus imágenes.  El Cubismo destaca el volumen sobre el color, con el fin de descubrir relaciones espaciales de las cosas entre sí, su esencia geométrica;  busca lo esencial del mundo de los objetos e intenta penetrar en la intimidad misteriosa de la cosa en sí.  Esta concepción permite al artista crear su obra según rigurosas leyes interiores, expresando el puro sentido trágico del espíritu.

Los grandes maestros del Cubismo fueron Pablo Picasso y André Derain, y su teorizador fue Guillaume Apllinaire.

CUBISMO LITERARIO

Surge por la necesidad de establecer la correspondencia lírica al hallazgo plástico representado por el cubismo pictórico.

Dicha estética poética opta por el subjetivismo, la libre referencia a aspectos diversos de la realidad, cuando ésta ha sido desintegrada;  los poemas carecen de un tema principal, ya que los cubistas anteponen el supuesto al desarrollo literal de la obra;  en el cubismo literario abundan los datos psicológicos.


“Ahora caminas por París muy solo entre la
multitud
Rebaños de autobuses mugiendo junto a ti
ruedan
la angustia del amor te aprieta el gaznate
como si nunca más debieras ser ya amado
Si vivieras en el tiempo antiguo entrarías en
un monasterio
Tenéis vergüenza cuando os sorprendéis diciciendo
una oración
Te burlas de ti y como el fuego del infierno
tu risa chispea
las chispas de tu risa doran el fondo de tu
vida
Es un cuadro colgado en un sombrío museo
 y a veces vas a mirarla de cerca.”
Apollinaire: “Zona”


APROXIMACIÓN AL CONCEPTO

Principales representantes:  Guillaume Apollinaire, Max Jacob, Jean Cocteau, André Salmon, y en la pintura Pablo Ruiz Picasso.

Se cuenta que en el salón de Independientes de París, en 1908, al contemplar la exposición de cuadros, un miembro del jurado exclamó  indignado:  “Encore des cubes!  Assez de cubisme!”  tal sería el origen de la denominación de la nueva escuela.

El cubismo se ha manifestado fundamentalmente en la pintura y en la escultura.  Afirma una concepción abstracta y totalmente cerebral del arte, que tiende a eliminar la sensibilidad en todas sus formas.

El propósito fundamental del cubismo es presentar los objetos en todas sus facetas a la vez, mediante una proyección simultánea de imágenes, logrando así una multiplicidad cualitativa de sensaciones.

Los simbolistas habían logrado la libertad del verso.  Los cubistas pretenden poner las palabras en libertad, suprimiendo para ello la puntación.

El Futurismo Literario
Futurismo
El f
Futurismo

                                                                          Futurismo
EL  un movimiento de vanguardia - aparecido en Italia en 1909 - que propugnaba el dinamismo del mundo moderno. Nació, primero, como movimiento literario, pero la mayoría de los representantes de este grupo fueron pintores, aunque también  abarcó a otros campos de la cultura, como la escultura, la fotografía, la arquitectura, la música y el cine.
Sus características son:
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Un patriotismo exagerado.
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exalta a la maquinaria y avances tecnológicos.
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Su característica es la modernidad que lo lleva a propiciar el valor de la maquinaria y la velocidad.
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Sustemas son: la velocidad, las fabricas, las locomotoras, etc.
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Poeta mas destacado o representativo Felipe Tomás Marinett.
Quedó fundado con el"Manifiesto del futurismo", del escritor Marinetti, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario francés Le Figaro. En este escrito, se postulaba que "el esplendor del mundo se ha enriquecido conuna belleza nueva: la belleza de la velocidad... un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia"Como vemos este movimiento tenía puesto sus valores en el mundo de la mecánica y lomoderno, lo rápido y tecnológico.
Filipo Marinetti (1876-1944)
Escritor y activista político italiano, fundador y principal exponente del futurismo.
Marinetti nació en la ciudad egipcia de Alejandríael 22 de diciembre de 1876, y estudió tanto allí como en París, Padua y Génova, universidad ésta última por la que se licenció en Derecho en el año 1899. Alternó periodos de residencia en Francia conotros en Italia, y escribió una parte de sus obras en francés. Sus primeros trabajos fueron poemas que se publicaron a partir del año 1898, al principio en distintas revistas literarias y, más... 



Características del Futurismo

  • Revela una exasperada proyección hacia el futuro; y si por un lado expresa la voluntad de romper con la tradición, por el otro demuestra una cierta incapacidad de realizarse en formas menos hipotéticas y más actuales.
  • Lo veleidoso, que se enmascara de triunfalismo para rechazar el mito de la derrota propio de cierto romanticismo y del decadentismo.
  • Cultivan el mito de la victoria: victorias tal vez ficticias, coronadas no por una gloria aristocrática y solitaria (como en D'Annunzio), sino por el escándalo en los cafés, en la calle, en las salas de conferencias.
  • Fue una escuela de polémica y de moral; y  usó con eficacia la técnica publicitaria, admitiéndola de golpe en la expresión artística, lo hizo con una finalidad básicamente pedagógica. Pero ello no impidió a los futuristas transformar, con el tiempo, los temas iniciales de la máquina, la velocidad, la técnica en exaltación de la violencia, del imperialismo, de la guerra, «higiene del mundo», y, por lo menos con Marinetti, del fascismo.
  • Nuevo sentido del espacio que tuvo consecuencias importantes en la vanguardia europea contemporánea y posterior: cubismo, dadaísmo, surrealismo
  • Exaltación de lo sensual, lo nacional, lo guerrero
  • Adoración de la máquina como prolongación del hombre inteligente
  • Retratar la realidad en movimiento
  • Suprimir el yo poético
  • Destrucción de la sintaxis y la puntuación
  • Disposición espacial del o escrito con el fin de darle expresión plástica
  • Proponen :
  1. Las palabras en libertad:  la poesía va al encuentro de las nuevas realidades, configurando, por vía imaginativa, una antitradición fundada en la expresión de la vida contemporánea y su máximo símbolo, la máquina
  2. La invención de palabras: la creación se constituye en realidad autónoma.
  3. El dinamismo plástico indica que en la poesía las palabras ocupan el lugar de lo que nombran, como si fueran cosas, de manera que el significado pasa antes por la organización plástica de las palabras. Y no es que se subordina a ésta, sino que es concomitante al nuevo sentido aportado por esa organización.
  4.  El lenguaje se objetiva como si fuera un medio plástico; he allí un elemento común a todos los movimientos poéticos que tienen su primer ancestro en el Futurismo


CHARLES CHAPLIN







       

                                                    "    CHARLES    CHAPLIN    "


     Los padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades de origen judío que, en su momento, alcanzaron un razonable éxito. Especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, menuda, graciosa y con una agradable voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth. No era un buen momento para la familia. El padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y Hannah se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles. Estaba en la cumbre de su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey, pero comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su gorjeo se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el desfallecimiento final, para gran diversión del público. Ése fue su debut artístico.
El fracaso y la falta de dinero trastornaron la salud mental de Hanna Hill, que comenzó a dar muestras de extravío. Ella y los niños pasaron a vivir en el asilo de la calle Lambeth. Sydney y Charlie asistieron un tiempo a la escuela para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de los niños más afortunados. En 1896 el estado de Hannah obligó a recluirla en un sanatorio frenopático. Al año siguiente, Charlie se unió a los Eight Lancashire Lads (Los ocho muchachos de Lancashire), un grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos. Más tarde formó parte de otras compañías ambulantes, ya profesionales aunque muy modestas. En 1898 murió el padre, mientras Charlie Chaplin era ya un experto actor infantil. En 1901, con doce años, representó el rol de protagonista en Jim, the Romance of a Cockney, y cuatro años más tarde realizó una gira con The Painful Predicament of Sherlock Holmes. El año 1906 fue afortunado para el joven cómico. Se inició con un contrato en el Casey Court Circus como una de las primeras atracciones, y finalizó con otro contrato para la célebre compañía de pantomimas de Fred Karno, en la que también actuaba Stan Laurel.
Los comienzos en Hollywood
A los diecinueve años Charlie vivió el primero de sus numerosos e intensos romances, al enamorarse perdidamente de la joven actriz Hetty Kelly. Con Fred Karno el futuro Charlot había perfeccionado y diversificado sus notables recursos mímicos, y el director lo incluyó en la troupe que realizaba una gira a París en 1909 y al año siguiente otra de seis meses por Estados Unidos. Fue la época en que Mack Sennett obtuvo un gran éxito con sus filmes cortos de bañistas y policías, basados en corridas, gesticulaciones exageradas, palos y peleas con tartas de crema. Sennett adivinaba las posibilidades cinematográficas de la mímica más refinada y compleja de Chaplin, y cuando éste realizó su segunda gira en 1912 lo convenció para que se incorporase a su productora, la Keystone.   
Chaplin en A Night in the Show (Charlot en el teatro)
Charlie Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913, y comenzó a trabajar en noviembre. El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Making a Living (Ganándose la vida, también conocida como Charlot periodista). En ese mismo año rodó 35 films de un rollo (cortos de entre doce y dieciséis minutos de duración), escritos y dirigidos por Sennett, el propio Charles u otros directores. Todavía sus caracterizaciones eran sólo esbozos del vagabundo ingenuo y sentimental que le daría fama en todo el mundo, pero como Chaplin interpretaba en cada uno un oficio o situación distinta, se los bautizaría luego como Charlot bailarín, Charlot camarero, Charlot de conquista, Charlot ladrón elegante, etc. El éxito fue arrollador, y en 1915 la productora Essanay le robó a Sennett su estrella por un contrato de 1.500 dólares a la semana. Cifra fabulosa para un cómico de cine mudo, que en Keystone venía cobrando diez veces menos.
Con la Essanay, Chaplin pasó a escribir y dirigir los catorce films que rodó ese año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un guión meticulosamente estructurado y ensayado. Chaplin era el protagonista absoluto (en alguno en rol femenino), y en la mayoría de ellos su partenaire era Edna Purviance. Cabe recordar A Night in the Show, The Champion, The Night Out y sobre todo The Tramp (El vagabundo), en la que redondeaba el personaje que luego se conocería como Charlot. Él mismo contaría después que fue escogiendo casi al azar -como lo haría un vagabundo real- el sombrero, el bastón, los anchos pantalones, la chaqueta estrecha y los zapatones. El resultado fue el atuendo más famoso y perdurable en la historia del cine.
La celebridad de Chaplin y su personaje era ya universal (el nombre de Charlot se lo daría en 1915 el distribuidor de sus filmes en Francia), y el exitoso mimo cambió nuevamente de productora en 1916. Con la Mutual realizaría doce películas en dos años, entre ellas The Pawnshop (El prestamista), Easy Street (La calle de la paz) y especialmente The Immigrant (El inmigrante), las tres con Edna Purviance. A principios de 1918 la First National contrató a Charlie Chaplin por la cifra récord de un millón de dólares anuales. Fue también el año de la primera de sus bodas con jovencitas casi adolescentes. Su matrimonio con la actriz secundaria de diecinueve años Mildred Harris, celebrado el 23 de octubre, duraría hasta 1920 y el divorcio le costó a Charles 200.000 de sus preciosos dólares.
También en 1918 realizó una gira para vender bonos de guerra junto a otras dos superestrellas de la época: Mary Pickford (llamada «La novia de América») y el galán acrobático Douglas Fairbanks. Con la First National filmó doce películas entre ese año y 1922, algunas tan clásicas en su filmografía como A Dog Life (Vida de perro) y Shoulder Arms (Armas al hombro). Y también la que se considera su primera obra maestra, en la que cinceló su estilo tragicómico, crítico y sutilmente conmovedor: The Kid (El chico), con Jackie Coogan, la infaltable Purviance y seis rollos de duración. En 1921 regresó por primera vez a Europa para el estreno de esa película y recibió una recepción multitudinaria, al tiempo que la severa crítica europea lo consagró como un genio del cine.
Chaplin en El circo (1927)
Ya en 1919 Chaplin, Pickford y Fairbanks, junto al director David W. Griffith (sin duda otro genio del cine) habían constituido la productora independiente United Artists, pero Chaplin no trabajó para ésta hasta no acabar su contrato con la First National. En 1923, con productora propia, sólida fortuna personal y una suntuosa mansión en Beverly Hills, se sintió al fin con las manos libres para desarrollar sin ataduras su creatividad. Ese año dirigió, sin actuar, la excelente A Woman of Paris, con su admirada Edna y Adolphe Menjou. El multifacético creador tenía ya treinta y cinco años, y el 24 de noviembre de 1924 contrajo matrimonio en México con la jovencísima actriz Lolita McMurray (o Lita Grey), de sólo dieciséis años. La unión duró hasta 1927 y Chaplin obtuvo de ella sus dos primeros hijos (Charles Spencer y Sydney Earle) y pagó un millón de dólares al divorciarse de su Lolita.
En esa época inició la gran trilogía final del personaje de Charlot, rodando en 1925 The Gold Rush (La quimera del oro), de la que en 1942 realizó una versión sonora narrada por su voz y con música propia. Ya en 1927 se estrenó la primera película sonora, El cantor de jazz, con Al Jolson, pero Chaplin seguía fiel al cine mudo cuando en 1928 realizó The circus (El circo), película que él mismo consideraba menos lograda que las que integraban la trilogía, pese a ser un magnífico filme cómico. Por esta película recibió su primer Oscar de la Academia en 1929. Dos años más tarde estrenó City Lights (Luces de la ciudad), paradigma de la ternura y la desolación de su alter ego cinematográfico, con inclusión de escenas sonoras y música de Chaplin.
En 1932 realizó un nuevo y extenso viaje a Europa, donde en una recepción conoció a la actriz francesa Paulette Goddard. Ambos prosiguieron juntos el itinerario de lo que llegó a ser una gira mundial, y al año siguiente Paulette sería su pareja en el último film de la trilogía: Modern Times (Tiempos modernos), una ácida parábola sobre el maquinismo industrial y las miserias del capitalismo.
Al desatarse la guerra y la invasión alemana sobre Europa, Chaplin filmó, en 1940, The Great Dictator (El gran dictador), una divertida y feroz parodia del nazi-fascismo, en la que el actor se desdoblaba en un Charlot transformado en peluquero judío y un Hitler mitómano y paranoico que anunciaba la disposición de Chaplin a encarnar nuevos roles, sin bombín ni zapatones. Lo acompañaba la Goddard, cuyo personaje llevaba el nombre de la madre de Charles (Hannah), fallecida en 1928. Chaplin y Paulette se distanciaron en 1941 y poco después el cineasta se vio envuelto en un proceso por la paternidad de la hija de la actriz Joan Barry, llamada Carol Ann. Condenado en abril de 1942 por violación de la Ley Mann, debió hacerse cargo de la manutención de la niña. El escándalo no le impidió casarse a sus cincuenta y cuatro años, con la hija del insigne dramaturgo Eugene O'Neill, una hermosa joven de dieciocho años llamada Oona, que permanecería a su lado el resto de su vida.
El patriarca de Vevey
Tras rodar Monsieur Verdoux en 1947, Charles Chaplin cayó bajo la ola del maccarthismo que tenía como blanco a intelectuales y artistas de Hollywood. La crítica social que rezumaba su obra, sumada probablemente a su origen judío y al hecho de ser extranjero (nunca se nacionalizó), lo llevaron a comparecer en 1949 ante el inquisicional Comité de Actividades Antinorteamericanas. Al año siguiente, mientras él y su familia viajaban por Europa, se ordenó a las autoridades de inmigración que lo retuvieran a su regreso. Chaplin decidió no volver jamás y se instaló en una lujosa residencia en Corsier-sur-Vevey, en la plácida ribera del lago suizo de Léman, frente a Ginebra. Oona se encargó de liquidar sus asuntos económicos y profesionales en Estados Unidos.
Inglaterra ofreció a su hijo pródigo un sitio para continuar su trabajo. En 1952 rodó en Londres Limelight (Candilejas), magnífica y sentimental rememoración de sus días de cómico ambulante, y dos años más tarde recibió el Premio Internacional de la Paz. Su resentimiento contra Estados Unidos se reflejó en A King in New York (Un rey en Nueva York), filme de 1957 cuyos altibajos no ocultan el corrosivo humor chapliniano. El gran cineasta era ya un anciano patriarcal y vitalista que comenzaba a escribir sus memorias en 1959. A los setenta y ocho años fue padre de su octavo hijo con Oona, Christopher, nacido en 1962, y en 1964 se publicó en Londres su autobiografía, Historia de mi vida.
Chaplin con su última esposa, Oona O'Neill
Ya octogenario, Chaplin tenía todavía ánimo y energías para escribir y rodar una última película, A Countess from Hong Kong (La condesa de Hong Kong, 1966). Pese a contar con dos protagonistas de lujo como Sofía Loren y Marlon Brando, y al propio director en el rol menor de un camarero, el filme no tuvo éxito y quizá no lo merecía. La mano maestra de Chaplin conservaba cierta elegancia, pero el tema era trivial y el estilo claramente anacrónico. El anciano creador debió de advertirlo, porque no volvió a insistir.
Charles Chaplin vivió todavía una década en su refugio de Vevey, rodeado de sus hijos y acompañado por la leal Oona. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a Hollywood, para recibir un Oscar por la totalidad de su obra. En 1976 Richard Patterson rodó The Gentleman Tramp (El vagabundo caballero), inspirada en su autobiografía, que incluía escenas familiares en Vevey filmadas por el director de la fotografía, el español Néstor Almendros. Otro español, el cineasta Carlos Saura, se casó con Geraldine, la hija de Oona más consecuente con el oficio de su padre. Éste murió a los ochenta y ocho años, el día de Navidad de 1977. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta años de actividad como actor y director. En la casi totalidad de ellas fue también autor del guión, y del diálogo y la música en las sonoras. Además de las ya mencionadas, cabe agregar Carmen (1916), según la novela de Merimée; The Vagabond (El vagabundo), 1916; A Day's Pleasure (Un día de juerga), 1919; Pay Day (Día de paga), 1922, y The Pilgrim (El peregrino), 1923, entre las más apreciadas por la crítica y celebradas por el público.


                                                      Charles Chaplin

Ficha personal

Nombre: Charles Chaplin Nace: 16-04-1889 En: Londres Muere: 25-12-1977 En: Corsier-sur-Vevey, Suiza Categoría: Actores internacionales Web: http://www.charliechaplin.com/


Charles Chaplin construyó toda una carrera cinematográfica en torno a un personaje: Charlot, el entrañable vagabundo con dignidad de caballero y sensible a la injusticia de la sociedad moderna.


                                                 Vida y trayectoria


Charles Spencer Chaplin nació en East Street, Londres, el 16 de abril de 1889, en el seno de una familia de artistas del music-hall con ascendencia gitana. Su infancia transcurrió en la pobreza más absoluta, ya que sus padres, separados poco después de su nacimiento, pasaban largas temporadas sin trabajo. La madre padecía esquizofrenia y el padre, músico, era alcohólico y falleció cuando el pequeño contaba solo 12 años.

Tanto Chaplin como su hermano Sydney, dos años mayor, tuvieron que pasar largos periodos en orfanatos.

Los dos hermanos trabajaron desde muy niños. Chaplin hizo su primera aparición pública a los cinco años en un teatro londinense. El hermano mayor, por su parte, se integró en un grupo cómico que obtuvo muchos éxitos. Fue precisamente Sydney quien apoyó al pequeño de la familia para que fuera contratado por el grupo y les acompañara en sus giras. Fue precisamente en una de ellas, cuando Chaplin, reconocido ya como comediante, fue contratado por la compañía cinematográfica Keystone y se trasladó a Hollywood.

En la meca del cine participó en varias películas de éxito y, a partir de la segunda, Carreras sofocantes, adoptó la indumentaria de vagabundo que le haría famoso en el mundo entero y que identificaría su imagen para siempre.
En esta primera etapa rodó más de 30 películas, y a partir de la vigésima empezó también a dirigirlas.

En 1915 abandonó la productora Keystone y fue contratado por Essanay. Durante dos años, dirigió y protagonizó algunas de sus más conocidas películas: Charlot en la playa, El Inmigrante o El vagabundo, y empezó a contar con una serie de actores fijos, entre los que se encontraban Edna Purviance y Eric Campbell.

En 1917 abandonó la productora y firmó con una tercera, la First National. Con esta compañía rodó varias películas, aunque quizás la más conocida sea El Chico, que le consagró como un icono del cine. Para esta película, rodada en 1921, contó con el niño Jackie Coogan.

En 1919, finalizado su contrato con la First Nacional, fundó junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith, la United Artists. Con ella rodó en los años veinte un buen número de películas, entre las que destacan La quimera del oro y El circo, por la que obtuvo el único Óscar que consiguió en competición con otras cintas.

La llegada del cine sonoro supuso un antes y un después en la carrera cinematográfica de Chaplin. Reticente a abandonar el cine mudo –por no adulterar la imagen de Charlot-, rodó Luces de la ciudad, en la que se incluía música, pero sin introducir diálogos. Tiempos modernos, considerada una obra de arte, fue la última película en la que aparece Charlot como personaje, aunque mantiene su mímica.

Tanto Tiempos Modernos como El Gran dictador, estrenada en 1940, recién iniciada la Guerra Mundial, granjearon más de un enemigo a Chaplin entre los sectores más reaccionarios de la sociedad. El Gran Dictador fue censurada en España, y no llegó a los cines hasta 1976.

Tras finalizar la contienda, Chaplin tuvo serios problemas con el Comité de Actividades Antiestadounidenses y con los tribunales norteamericanos, debido a sus ideas progresistas, exhibidas públicamente en todos sus cortometrajes y en muchas de sus películas. En el año 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas empezó a presionar a la fiscalía para que deportara a Chaplin. Fue llamado a testificar en varias ocasiones, pero no se presentó nunca. En 1952, el fiscal general de Estados Unidos dio instrucciones a inmigración para retener a Chaplin, su esposa y varios de sus hijos, cuando viajaban en el Queen Elizabeth para asistir al estreno de Candilejas en Europa. Se le acusó de «pertenecer al Partido Comunista, así como de graves delitos contra la moralidad y el patriotismo.

En abril de 1953, el actor se estableció en Suiza. En 1957 rodó una película en la que parodiaba a EE.UU. y la paranoia que le llevó al exilio, Un rey en Nueva York. En 1966 rodó su última película, La condesa de Hong Kong, protagonizada por Marlon Brando y Sofia Loren, y que fue un fracaso.

Dos décadas después de su salida de Estados Unidos, regresó para recoger un Óscar Honorífico.

Chaplin falleció en Suiza el 25 de diciembre de 1977, a los 88 años. Tras su entierro, el cuerpo fue robado por un grupo polaco con la intención de extorsionar a la familia, y una vez recuperado, fue sepultado de nuevo



AUTORES DEL SIMBOLISMO





                     

                                                      Autores Simbolismo

                                   

Los precursores literarios de esta corriente fueron el poeta norteamericano Edgar Allan Poe, que tanto influyó sobre Charles Baudelaire, y los franceses Arthur Rimbaud y Paul Verlaine, llamados también "poetas malditos". 

El más representativo fue Stéphane Mallarmé (1842-1898), quien creó un lenguaje hermético, cercano al antiguo culteranismo español (Verlaine leyó y admiraba a Luis de Góngora) y cercano a la sintaxis del inglés. 

Menor importancia tuvieron Auguste Villiers de l'Isle-Adam (1838-1889), Prosper Mérimée (1803-1870), más conocido como narrador; Gérard de Nerval, (1808-1855), poeta de trágico fin; Joris Karl Huysmans (1848-1907), más conocido como escritor del decadentismo; Albert Samain (1858-1900), Rémy de Gourmont (1858-1915), Alfred Jarry (1873-1907), creador de la Patafísica y más importante como autor teatral y como precursor de la literatura de Vanguardia; Gustave Kahn (1859-1936), Jules Laforgue (1860-1887), el primer introductor del verso libre; Maurice Maeterlinck (1862-1949), que creó el teatro simbolista; Stuart Merrill (1863-1915), Albert Mockel (1866-1945), Jean Moréas (1856-1910), Henri de Régnier (1864-1936), Adolphe Retté (1863-1930), Paul Valéry (1871-1945), que pasó del Simbolismo a una intelectualizada poesía pura; el belga Emile Verhaeren (1855-1916), también narrador, y Francis Vielé-Griffin (1863-1937), entre muchos otros.

En otros países el Simbolismo tuvo también extensión: en Rusia, por ejemplo, fue divulgado por Alexandr Blok, Fiódor Sologub, Andrei Bely; en Suecia, el dramaturgo August Strindberg recurrió a algunos de sus postulados, y en el mundo hispanoamericano y español se difundió a través del Modernismo.

LITERATURA, UNIDAD III PARNASIANISMO




           

                                         Parnasianismo

El parnasianismo es un movimiento literario francés de la segunda mitad del siglo XIX (ca. 1860) creado como reacción contra el Romanticismo de Víctor Hugo, el subjetivismo y el socialismo artístico. Los fundadores de este movimiento fueron Théophile Gautier (1811-1872) y Leconte de Lisle (1818-1894).


La palabra es de origen griego y hace referencia a la cima del monte Parnaso donde estaban las musas inspiradoras, que eran diosas menores.


Con respecto al parnasianismo francés se formó en el año 1866 con motivo de la publicación de tres antologías poéticas tituladas: "El Parnaso contemporáneo". Figuraban allí poemas de Théophile Gautier, Leconte de Lisle, Théodore de Banville, Sully Prudhomme, Catulle Mendès, a los que se les agregaban nombres de otros poetas que la historia del arte no clasificaría como parnasianos, entre ellos se encontraba Charles Baudelaire.


El Parnasianismo surge como una antítesis del Romanticismo y esta oposición tiene como causa lo que los parnasianos consideraban sus "excesos"; exceso de subjetivismo, hipertrofia del yo (crecimiento excesivo y anormal), exceso de sentimiento. De allí que los parnasianos preconizaran una poesía despersonalizada, alejada de los propios sentimientos y con temas que tuvieran que ver con el arte, temas de por si sugerentes, bellos, exóticos, con una marcada preferencia por la antigüedad clásica, especialmente la griega, y por el lejano Oriente.


En lo referido al estilo, los parnasianos cuidaban mucho la forma. Continente y contenido debían marchar de acuerdo. De esta manera, si los románticos demostraron una preocupación por los sentimientos, los parnasianos lo hicieron por la belleza.


El lema del parnasianismo era: el arte por el arte, arte visto como forma y no como contenido. Arte que no estuviese comprometido con la realidad social.


Las características del parnasianismo son muchas. Entre ellas podemos encontrar que representa una reacción contra el subjetivismo poético y un desprecio contra la emoción poética. El escritor parnasianista busca la perfección mediante una poesía descriptiva.


El Parnasianismo francés, tuvo una influencia decisiva en la corriente literaria latinoamericana, el Modernismo. Siendo su principal exponente el poeta nicaragüense Rubén Darío.


Simbolismo

El Simbolismo fue uno de los movimientos artísticos más importantes de finales del siglo XIX. En Un manifeste littéraire ("Un manifiesto literario"), publicado en 1886, Jean Moréas definió este nuevo estilo: "Enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad, la descripción objetiva" (Ennemie de l'enseignement, la déclamation, la fausse sensibilité, la description objective). La poesía simbólica busca vertir la idea de manera sensible" (la poésie symbolique cherche à vêtir l'Idée d'une forme sensible). La literatura simbolista posee intenciones metafísicas, intenta utilizar el lenguaje literario como instrumento cognoscitivo, por lo cual se encuentra impregnada de misterio y misticismo. Intentaba encontrar lo que Charles Baudelaire, gran poeta precursor de este movimiento, denominó "correspondencias", las secretas afinidades entre el mundo sensible y el mundo espiritual. Para ello utilizaban determinados mecanismos estéticos, como la sinestesia

Los representantes
·         Gustave Moreau (1826-1898): gran dibujante y de gran virtuosismo técnico. Es un narrador de sueños y extrañas visiones. Su fuente de inspiración principal es la mitología.


·         Odilon Redon (1840-1916): Es el más puro de los simbolistas. Representa lo mágico, lo visionario y lo fabuloso. El sueño, La Esfinge, El nacimiento de Venus, Las flores del mal, Mujer y flores.


·         Pierre Puvis Chavannes (1824-1898): Es el más idealista del grupo. Utiliza tintas planas, subordinadas a un buen dibujo. El pobre pescador, Bosque sagrado, Musas inspiradoras.


·         Carlos Schwabe: es un pintor de gran imaginación para plasmar imágenes oníricas. Es precursor del modernismo. Spleen e ideal, La boda del poeta y la musa.


·         Leon Spilliaert: La travesía


·         Edward Robert Huget: Un idilio de sueño.


·         Herbert James Draper: Lamento de Ícaro.


·         Franz von Stuck: El pecado

UNIDAD III LITERATURA.






                                                                                  La poesía norteamericana
En la poesía norteamericana destacan los siguientes autores:
Edgar Allan Poe (1809-1849), famoso por sus relatos, es también el primer gran poeta norteamericano. Sus ideas poéticas influyeron asimismo sobre Baudelaire.
Pero sin duda es Walt Whitman (1819-1892) el más famoso poeta del siglo XIX. La libertad métrica de sus versos, inspirados en los versículos de la Biblia, el individualismo, el canto a la democracia y al hombre común, y su poderosa personalidad hacen de él una encarnación del espíritu norteamericano. Su único libro, Hojas de hierba, ha sido continuamente reeditado desde su aparición.
Más discreta es la figura de la poetisa Emily Dickinson (1830-1886). Llevó una vida apartada y apenas publicó en vida. Su estética de versos cortos, expresión lacónica y un concentrado simbolismo es la opuesta a Whitman. La crítica de nuestros días ha revalorizado su obra, de una gran intensidad.



 
El fundador de la poesía norteamericana es...
Edgar Allan Poe.
Walt Whitman.
Emily Dickinson.


La versificación libre de Walt Whitman se inspira en..
La Odisea.
La Biblia.
El simbolismo francés.


Durante su vida, Emily Dickinson...
fue famosa por sus innumerables publicaciones poéticas.
apenas publicó.
publicó sus obras fuera de Estados Unidos.


                                                                  Actividad de Lectura
Te presentamos un fragmento, traducido por un gran poeta español, del célebre "Canto a mí mismo", de Walt Whitman, con el que da comienzo su libro Hojas de hierba:
 
Me celebro y me canto a mí mismo.
Y lo que yo diga ahora de mí, lo digo de ti,
porque lo que yo tengo lo tienes tú
y cada átomo de mi cuerpo es tuyo también.
Imagen 5. Paisaje de las Montañas Rocosas.
Autor: Albert Bierstadt. Dominio público
Vago... e invito a vagar a mi alma.
Vago y me tumbo a mi antojo sobre la tierra
para ver cómo crece la hierba del estío.
Mi lengua y cada molécula de mi sangre nacieron aquí,
de esta tierra y de estos vientos.
Me engendraron padres que nacieron aquí,
de padres que engendraron otros padres que nacieron aquí,
de padres hijos de esta tierra y de estos vientos también.
Tengo treinta y siete años. Mi salud es perfecta.
Y con mi aliento puro
comienzo a cantar hoy
y no terminaré mi canto hasta que muera.
Que se callen ahora las escuelas y los credos.
Atrás. A su sitio.
Sé cuál es su misión y no la olvidaré;
que nadie la olvide.
Pero ahora yo ofrezco mi pecho lo mismo al bien que al mal,
dejo hablar a todos sin restricción,
y abro de par en par las puertas a la energía original de la naturaleza
desenfrenada.
Versión de León Felipe

En estos versos, escritos a mediados del siglo XIX, siempre se ha visto un reflejo de la mentalidad de la joven democracia norteamericana. ¿Pero, podrías citar algún ejemplo concreto en el que se advierta esa mentalidad?



              Tema 3. El nacimiento de la lírica moderna y la renovación del teatro
Ya hemos visto que en el siglo XIX se consolida el género de la novela, con el Realismo y el Naturalismo. Pero al mismo tiempo se producen grandes innovaciones en otros géneros.
En la poesía asistimos al nacimiento de la lírica moderna, con figuras como Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud y Verlaine, que describen el inquieto estado de ánimo de una época urbana y desarraigada.
Y en el teatro nace un nuevo lenguaje con autores como Ibsen y Strindberg, que suben al escenario los problemas sociales y existenciales.
 
A finales del siglo XIX, Europa es el centro del mundo. Cualquier europeo de la época da por sentado que en ciudades como París o Londres  la civilización ha llegado a su cumbre. La luz eléctrica, los transportes, el nacimiento del consumo de masas, todo contribuye a la sensación de que se ha inaugurado una era de progreso indefinido, guiada por el desarrollo de la ciencia y la técnica.
Por debajo de ese optimismo aparente late, sin embargo, una sorda inquietud que los poetas serán, como siempre, los primeros en captar y expresar. Lo veremos en el desarrollo de este tema. De momento, puedes hallar en este vídeo una visión general de la vida en esta época, que te servirá para situar en su contexto a los autores que vamos a estudiar: